Un lugar desde el que otear,
un punto aparentemente inmovil,
y la imposibilidad de su certeza

HORIZONTE se configura como depósito (Contrato por el que alguien se compromete a guardar algo por encargo de otra persona)
de mis dudas, afinidades e intereses. Un espacio donde reflexionar y no determinar. Una imagen en constante revelado.

Yet

Selekted
El origen de este proyecto es una propuesta para pensar la postfotografía de la mano del texto
“La obra de arte en la era de la reproductibilidad técnica” de Walter Benjamin y, el lugar del diseño en esta extraña situación para la imagen y su difusión.
Benjamin señala que el arte se ha transformado por completo y en esencia. Ya no puede ser lo mismo por la aparición de la reproductibilidad técnica, y nuestra percepción sensorial
tampoco puede ser la misma, pues es alterada por la técnica. Antes de la fotografía, la obra de arte era concebida como algo cultual, ritual; algo único, irreproducible y su valor
residía precisamente en su autenticidad. Cuando esto se puede reproducir en masa a partir de la fotografía, la obra de arte pierde su existencia única. Pierde su aura, su aquí y ahora.
La reproducción técnica de la realidad, supera la singularidad de cada hecho, su existencia única por su existencia masiva, por su recepción como reproducción.

Yet/ 6’45”

Nuestro mundo en el que prevalece sólo la cifra nos sumerge en la inestabilidad de un
suelo líquido, sin sentido, un suelo en constante movimiento que deja de ser suelo para ser
la imposibilidad de poner el pie en ningún sitio. Sobre esta arena movediza, la lejanía de un
punto que desde aquí nos resulta inmóvil se convierte en un refugio para la inquietud de
nuestros espíritus.

En la quietud de esta lejanía experimentamos paradójicamente la aparente inmovilidad
de un punto y la imposibilidad de certeza de la misma. Nos enfrentamos a un Misterio, la imposibilidad de distinguir donde termina el mar y donde comienza el cielo. Y es frente a este Misterio incalculable, impredecible, incomprensible para nuestras cabezas que todo buscan comprender poseer, donde, por un segundo, encontramos calma. Pues la calma ya no es
tanto el fundamento de una línea horizontal sino el vértigo frente a la pérdida de horizonte.
Un punto inmutable, sin huella humana, por el que no pasa la historia. Aquel que sigue siendo igual desde el inicio de los tiempos. Y aquel en el que se han concentrado tantas miradas a lo largo de la historia buscando el mismo tipo de sosiego. Dar voz al fondo es también dar voz a todos estos ojos que lo miraron por no encontrar paz en la figura. Por ello, esto siempre es un relato común, un co-sentir, que surge de algo tan solitario como mirar al mar y sentirte pleno.

Si la sobreestimulación visual ha contribuido a una erosión de la sensibilidad y una
desconexión emocional, podemos entender que el diseño gráfico tiene la responsabilidad de replantearse su función. En este contexto, Yet nace como una crítica y una alternativa a este modelo, proponiendo una nueva forma de entender la práctica del diseño y su impacto en la sociedad. La propuesta no busca imponer un mensaje, sino abrir un espacio para la contemplación y la reflexión.

Se propone un acercamiento y reconexión con la lejanía, la quietud y el silencio. Para ello,
es necesario situar la mirada no en el resultado final sino a través del recorrido, en el proceso. Entender el silencio no como pura negatividad sino como el espacio abierto a todo lo posible.
Un espacio lleno de dudas, de misterios y carente de datos donde aburrirse esperando.
A través de procesos de creación desacelerados, experimento en una diversidad de formatos que van de la performance al bordado, tecnologías y lenguajes que buscan establecer otros ritmos de producción y nuevos enfoques en la observación del mundo y la práctica del diseño gráfico, promoviendo una conexión más profunda y consciente.

Yet/ Quietud intervenida

Yet/ Ensayo visual

Si bien la fotografía es siempre ficción en cuanto detección del instante, esta ficción aquí
busca remarcar esta ausencia de movimiento. No para enfrentarnos al vacío sino a la
antesala del ruido, donde se permite encuadrar el movimiento. El vacío se abre así no como
pura negatividad sino como el espacio abierto a todo lo posible. Frente a la cámara, como frente a nuestros limitados ojos, aún-no es movimiento. Hay algo que no se deja retener
por la cámara, ni por el marco, ni por aquel que mira; algo que nos sobrepasa, que aún-no podemos entender, atrapar o poseer.

Algo que nunca termina de ser.

Y frente a este Misterio que aún-no es, tenemos a nuestra disposición el placer de lo inacabado, de los márgenes, del misterio, del vértigo. El placer de la tensión que se esconde
en el silencio que, mudo, recorre nuestras entrañas para hacer hablar a lo más apagado de nuestros adentros.

Yet/ La condición humana

Yet/ Antesala del ruido

Yet

SuperFuture

Si planteamos el diseño como meramente un incentivo para consumir, entonces debemos rechazar el diseño...
Si la arquitectura y el urbanismo son meramente la formalización de las actuales divisiones sociales, entonces debemos rechazar el urbanismo
y sus ciudades hasta que toda actividad de diseño esté destinada a satisfacer las necesidades primarias. Hasta entonces, el diseño debe desaparecer.
Podemos vivir sin arquitectura.

-SuperStudio-

¿Puede el urbanismo transformar sin neutralizar aquello que ya existe?

Actualmente, la isla de Zorrozaurre atraviesa un proceso de transformación impulsado
por el plan de Zaha Hadid y promovido por el Ayuntamiento de Bilbao, que presenta el
área como un territorio aislado y degradado necesitado de regeneración. Sin embargo,
la isla no es un vacío: en sus naves y márgenes conviven universidades, espacios expositivos,
iniciativas culturales y usos informales que revelan un momento de ebullición creativa
y una identidad propia en construcción.

La cuestión entonces es clara: ¿dónde queda la voz de quienes habitan la isla?
¿Puede un proyecto urbano incorporar aquello que ya está sucediendo?

Super Future plantea una respuesta desde la ficción crítica. Propone la irrupción de un gran monolito blanco que atraviesa la isla y cruza la ría hacia la ciudad. Fabricado en bioplásticos hidrosolubles, el volumen se irá deshaciendo con la lluvia, evidenciando el carácter frágil y transitorio de las formas que se imponen sobre el territorio. El monolito actúa como metáfora del efecto homogeneizador de la globalización y de ciertos procesos de urbanización que tienden a borrar las particularidades locales.

No se trata de una propuesta literal, sino de una intervención conceptual que busca activar la percepción del espectador y abrir una reflexión sobre los procesos de transformación urbana y
sus implicaciones sociales.

SuperFuture

Bajo mi abrigo.mov

Bajo mi abrago.mov

Lizarra

Ejercicio de experimentación tipográfica realizado en el workshop impartido por Stéréo Buro
en la Bienal de Diseño Gráfico de Chaumont, en Le Signe.

Diseño de un tríptico tipográfico a partir del concepto “Lizarra” (ceniza). La ceniza lleva el peso de la historia a sus espaldas,
del mismo modo que el polvo se presenta como “el aliento del tiempo depositándose sobre nuestras cosas para que recordemos que sigue corriendo”.

Mediante la fotografía, busco formas, grietas y heridas en mi entorno que nos hablen de ese transcurso del tiempo, y las trazo a través de mi gesto,
en un ejercicio de acompañamiento, sinergia y empatía. En ellas hago, además, más evidentes algunas formas que recuerdan a las letras que componen la palabra LIZARRA.

Los carteles no son necesariamente legibles, del mismo modo que no lo es la ceniza.
Se convierten así en un juego de búsqueda de tipos entre las cenizas, entre lo que fue y lo que es.

Lizarra

Albricias

Os presentamos Albricias, una revista física y digital que tendrá una publicación semestral y miscelánea. Albricias pretende construir poco a poco
una red de comunicación sin directrices entre amigos, donde cada uno exprese lo que quiera tal y como quiera hacerlo. Desde hace tiempo
queríamos iniciar una revista que no tuviese ninguna pretensión académica ni mucha editorial, tan solo ceder un espacio que funcionase como tradicionalmente
se concebía la difusión de las revistas en mano, reconectando de alguna forma con este aspecto físico de la red social que estaba contenido en la propia revista.
Esto no quiere decir que pretendamos alejarnos de nuestro presente y nuestra realidad tecnológica, pues es de donde nace todo nuestro concepto
y, por ello, Albricias irá generando un archivo digital.

Mirándolo ahora en retrospectiva, parece que este proyecto surge de alguna forma de
nuestro vínculo personal como Julen y María, y nuestra creencia o más bien nuestra práctica
de abrir todas las pestañas posibles en conversación y construir nuestras propias redes de sentido. El modelo se asemeja a nuestra manera de comunicarnos, la cual hemos creado sintiéndonos soberanos y capaces de establecer conexiones tan libres como las que permite
la amistad, que generan un tipo de conocimiento quizás más fuerte que ninguno. Porque donde tienes la oportunidad de volver a experimentar la libertad de la infancia, toda conexión y todo camino es posible. Albricias es entonces una forma de agrandar nuestra red y de cederla a
todo el que quiera jugar con nosotros.

Os cedemos nuestro jardín para que pueda ser de todos.

A raíz de esto llegamos al concepto que era perfecto para estructurar nuestra red: el hipervínculo. El hipervínculo fue un concepto que nos abrió las puertas a la materialización de una propuesta sin directrices, tan anárquica como queríamos que fuese para los autores y los lectores. La hipertextualidad nos permite trasladar la construcción de sentido no al contenido sino a las conexiones que se van generando entre los que escriben y los que leen. Nos interesa lo que se produce en el salto de un lugar a otro como una forma de reinterpretar el mundo y la forma tradicional de exponer el conocimiento. Frente al sesgo y la contaminación del algoritmo y de la publicidad, creemos que el hipervínculo sigue siendo capaz de permitir una red de conocimiento que destruya el sentido del corpus y abra nuevas posibilidades de pensar.

Como bien hemos dicho, solo queremos iniciar conversación. No queremos determinar nada. Queremos dar espacio absoluto, rienda suelta a la anomia de la infancia, que abre la posibilidad de múltiples realidades al mismo tiempo, comprendiendo la facilidad que todas las cosas nos ofrecen. ¿En qué se traduce esto? En que puedes escribir lo que quieras, dibujar, exponer imágenes o incluso audiovisual, experimentar con los formatos… La forma no importa mientras quiera expresar. El sentido no lo vamos a imponer, el sentido se construye. Queremos dar espacio para que la gente haga lo que quiera, generar un lugar en el que se puede construir autónomamente confiando plenamente en la voz de cada uno. Cualquier propuesta que tengas, por descabellada que te parezca, estamos dispuestos a escucharla y hacerla posible.
Pretendemos jugar a ser “realizadores”, pinchar vuestras miradas y colarnos en la intimidad de vuestras pestañas de Google. Alejarnos de líneas editoriales e identidades gráficas que moldeen el sentido. Nos interesa el sentido continuo y dinámico de la realización y su “vínculo con el hipervínculo”. Albricias se está realizando, se está construyendo.

O puede que solo seamos un autómata turco.

30 de Junio –– 1ª Publicación / Disponible en Librería Lasai (Madrid)

( + ) Albricias

Dummy

Dummy es un alfabeto construido a partir del concepto de la mínima expresión.
Consiste en crear, dentro de la retícula más sencilla posible, la mínima expresión de cada una de las letras.

Una vez completado el alfabeto, y tomando como referencia los alfabetos de infinitas posibilidades de Nigel Cottier,
este crece hasta un peso Black Condensed y adelgaza hasta un Ultrathin Italic, creando así un total de 13 pesos.

Este espécimen está impreso en risografía a una tinta: Black HD

Dummy

Trazo

“En una línea el mundo se une, con una línea el mundo se divide”

- Eduardo Chillida -

Caminamos por un mundo líquido, in-forme/multi-forme. Una suerte de cuerpos baconianos: dinámicos, deformes, engullidos todos en un éxtasis de ebriedad.

Dibujar, escribir, garabatear… todas ellas formas de introducir la mano en el guante
de la realidad. Del mismo modo que el habla se configura como una práctica escultórica del aire,
el dibujo se presenta como expresión natural de nuestra experiencia individual.

Al dibujar, moldeamos y conformamos significados. Al dibujar sin mirar lo dibujado, nos olvidamos. Las ideas y pretensiones a un lado. Basta con recorrer con nuestros ojos
el objeto o paisaje al que nos enfrentamos y dejar que nuestra mano cartografíe nuestra mirada.

¿No será entonces esta técnica la forma más veraz de representación?

Trazos

Paseo.mov

paseo

pase o pas eo!

pa seo

p* aseo

pa eso paso

pasa en

pa eso paseo so

se posa

paso y paseo pos eso poseso

pasao el paso

paseo

pasa esa e o

peo

peo pasa

paso paseos

Paseo.mov

Deus Ex Machina

“¡Creéis haber copiado la naturaleza, creéis ser pintores y haber robado su secreto a Dios! ¡Para ser un gran poeta no basta conocer a fondo la sintaxis
y no cometer errores de lenguaje! (…) es una imagen (…) faltan el espacio y la profundidad; sin embargo, la perspectiva es correcta, y la degradación atmosférica
está observada con exactitud; pero a pesar de tan loables esfuerzos, no puedo creer que (…) esté animado por el tibio aliento de la vida (…)
El fuego de Prometeo se ha apagado más de una vez en tus manos y muchas partes de tu cuadro no han sido tocadas por la llama celeste (…)
Has flotado indeciso entre los dos sistemas, entre el dibujo y el color, entre la flema minuciosa, la rigidez precisa de los viejos maestros alemanes,
y el ardor deslumbrante, la feliz abundancia de los pintores italianos”

- La obra maestra desconocida, Honoré de Balzac -

Este proyecto no celebra un resultado, sino que reivindica el origen del diseño en la artesanía
y en el proceso. Defiende lo táctil, el tiempo y el error como espacios donde la forma surge del contacto entre la mano y la idea. Frente a una cultura dominada por la pantalla, plantea que el diseño no puede desligarse del cuerpo ni de la experiencia individual.

Cuestiona la dependencia de las herramientas digitales y la idea de que el ordenador ofrezca soluciones casi “automáticas” o incuestionables. Cuando el software se convierte en punto de partida y el diseño se reduce a producir más y más rápido, corre el riesgo de vaciarse de sentido y convertirse en simple motor de consumo.

La exposición recoge una investigación sobre color y composición que dialoga con referentes como Alexander Calder, Piet Mondrian, Bruno Munari y Josef Albers. A partir de un recurso básico —las cartulinas de color— se construyen patrones, estructuras y sistemas visuales, demostrando que de lo elemental puede surgir lo complejo y que el diseño, más que una respuesta inmediata, es una pregunta abierta entre nosotros y el mundo.

Deus Ex Machina